Драгоценный букет: история цветов в ювелирном искусстве
В мировой ювелирной истории есть по-настоящему вечные темы, и одной из таковых является тема флористическая, которая по степени популярности может поспорить разве что с анималистическими сюжетами. Проще говоря, это тема драгоценных цветов.
Драгоценные цветы, кажется, производили всегда: достаточно посмотреть на археологические находки (например, на те, что находятся в постоянной экспозиции Государственного Исторического Музея). В залах ГИМа можно увидеть и торжественные лавровые венки из керамики, и более скромные цветочные ожерелья, браслеты, серьги и даже кольца. В древности драгоценные цветы считались абсолютно естественными, ведь важно было прислушиваться к самой природе, которая понималась нашими предками в божественном ключе.
Цветы, как одна из ключевых тем в декоративно-прикладном искусстве, возникали и у средневековых мастеров-ювелиров, особенно в Италии и Франции. Взглянуть на них можно в Лувре: это весьма нехитрые драгоценные изделия, которыми украшали себя самые знатные дамы тех долгих веков.
Следующая после Средневековья глава в истории Европы – эпоха Возрождения. Как известно, эти два столетия (XV и XVI века) ознаменовались возрождением огромного интереса ко всему античному: в литературе и музыке, в архитектуре, скульптуре и философии. Цветы, как великие знаки природной силы и естественной красоты, конечно же, находили свое ювелирное изображение (в первую очередь, у легендарного скульптора и ювелира Бенвенуто Челлини).
Эра Нового времени отличалась сначала классицизмом: в моду вошли регулярные французские сады, богатство и великолепие которых отразили художники тех лет. Драгоценности эпохи классицизма тоже включали в себя цветочные ювелирные предметы, которые отличались симметричностью, любовью к геометрии и одновременно с этим одухотворенностью и возвышенностью. Историки также отмечают, что именно в классицизме занимают высокие позиции простые белые бриллианты.
Следом за классицизмом следуют барокко и рококо. Стиль барокко, роскошный и вместе с тем тревожный, мнительный, подарил ювелирную асимметрию, а рококо эту асимметрию еще больше развернул в пространстве. Барочные драгоценности и ювелирные вещи в духе рококо носили и при российском дворе (в частности, при дворе императрицы Екатерины II; сегодня цветочные драгоценные предметы можно увидеть в собрании Государственного Эрмитажа).
Затем последовал крайне важный для декоративно-прикладного искусства стиль ампир: он пришел из Франции, благодаря усилиям Наполеона Бонапарта, ставшего императором страны в 1804 году. Ампир тоже призывал вернуться в античность, которая, впрочем, понималась в имперском государственном духе. Лучшим ювелиром Парижа считался Мари-Этьен Нито, основатель замечательного парижского дома Chaumet. Именно Мари-Этьен Нито стал придворным ювелиром Наполеона и двух его жен (месье Нито выполнил коронационные регалии для Бонапарта). В эпоху ампира, которая длилась почти все первую четверть XIX века, вновь стала цениться симметрия, упорядоченность, в моду снова вернулось победоносное желтое золото. Именно из такого золота сделаны почти все украшения Chaumet того времени (французский Дом неоднократно переиздавал «наполеоновские» вещи). После ампира наступило время так называемого «антикварного» стиля: публика ценила украшения, похожие на древние вещи, либо напоминающие их.
Стиль модерн, о котором мы уже писали, принес новых героев: популярными оказались необычные цветы. Среди них – ирисы, кувшинки, лилии, фиалки, чертополох. Именно эти цветы пришли на смену классическим камелиям, розам и жасмину, которые были так необыкновенно востребованы в течение всего XIX века (достаточно вспомнить романы Флобера, Гюго, Стендаля, Бальзака, Эмиля Золя). В модерне (во Франции этот стиль называли ар-нуво, а в Италии – либерти) ценилась очевидная странная загадка, выраженная в поразительной асимметрии предмета. Кроме того, в моде были необычные материалы: полудрагоценные и даже поделочные камни, а также слюда и причудливый барочный жемчуг. Можно сказать, что именно ар-нуво «развернул» флористическую тему в ювелирном искусстве во всю потенциальную мощь. Именно в модерне ювелирная флора впервые побеждает драгоценную фауну. Чтобы убедиться в этом достаточно будет посмотреть на рекламные плакаты чеха Альфонса Мухи, на настольные лампы американца Луи Комфорта Тиффани, на интерьеры англичанина Чарльза Макинтоша, на драгоценности французов Рене Лалика и братьев Фуке.
После «высокого» и не очень-то практичного модерна стартовал следующий «большой» стиль – ар-деко. Цветы в ар-деко становятся частью орнамента, а вовсе не самостоятельным предметом. Из великих цветочных «изобретений» этого стиля необходимо, в первую очередь, отметить легендарную технику «tutti frutti» великого дома Cartier: напомним, что данная техника имеет старое индийское происхождение (речь идет о гравировке по драгоценному камню). Однако ювелирам Cartier удалось сделать эти старинные приемы современными и модными. Стиль ар-деко длился до начала 1940 годов: в 1930-е особенно успешными считались цветы Van Cleef & Arpels, а также Bvlgari. Для обеих марок цветочная тема является жизненно важной и исторически необходимой.
Сегодня драгоценные цветы, букеты, венки, бутоны и гроздья можно найти в собраниях AllTime. Каждая марка в AllTime имеет свой цветочный «почерк»: это и подробная, детальная техника (Sokolov, «Эстет», Уральский ювелирный завод), и более условные творческие решения («Марказит», De Fleur, Evora, Aquamarine).
